Иконы «галантного века» показали в Музее им. Андрея Рублева
Представьте себе ситуацию: возле вашего дома перевернулся гигантский грузовик с прекрасными цветами и ваша задача — эти цветы рассортировать, розы к розам, гвоздики к гвоздикам… Нечто подобное произошло в XVIII веке, когда в России «перевернулся грузовик» с европейскими живописными стилями. Разобраться во всем многообразии направлений иконописи, которые появились в эпоху дворцовых переворотов, попытались в Музее им. Андрея Рублева на новой выставке «Икона «галантного века».
тестовый баннер под заглавное изображение
«Цветы» отечественной иконописи XVIII века постарались разделить на пять разделов: от живоподобия к барокко, затем рококо, масляная техника и классицизм. Кажется, что по хронологии, да не совсем. Действительно, был переходный этап, который и отображен в первой части экспозиции, но неправильно будет считать, что один стиль сменял другой: они жили параллельно друг с другом. В Россию стили вообще попали одновременно, все сразу, причем уже после того, как в Европе их уже осмыслили. Тем не менее на экспозиции постарались по возможности представить образы в том порядке, в котором они были созданы, чтобы хотя бы попытаться проследить, как менялась иконопись в то непростое время.
Первая работа, на которую здесь стоит обратить особенное внимание, — «Девять мучеников кизических с избранными святыми» Ивана Рожнова — ощущается тяготение к мастерам Оружейной палаты во второй половине XVII века: в основе иконы вишневый красный и зеленый, почти нет заднего плана — вдалеке храм (дальше увидим совсем другие работы и познаем в сравнении), образы святых бесстрастные. Позднее на иконах появится среда — интерьеры храма, пейзажи, и совсем не номинальные, а прописанные детально.
Еще одну остановку делаем у «Проповеди Иисуса Христа»: здесь необычно и совсем иначе решено многое, начиная с формы самой иконы. Если традиционный силуэт был прямоугольный, то здесь автор от стандартов отходит, обращаясь к архитектурным формам, напоминающим окно или фигурную дверь — изменение связано с тем, как строились иконостасы в ту эпоху. Обращаем внимание на цвета — зеленый сменился синим, красный остался, но изменил свой оттенок, став ярко-алым. Иначе выглядят и образы на иконах — их одежда движется, струится, ощущается движение, изменились и выражения их лиц — на них уже нет прежней молельной бесстрастности, в их взглядах можно уловить эмоцию…
Внимательный зритель заметит не только изменения на самих иконах, но и тот факт, что у многих из них теперь обозначен и автор — если древнерусское искусство было анонимным, то теперь иконописец обязательно подписывается в знак готовности лично отвечать за качество работы. Более того, эти мастера работали на заказ. Среди заказчиков — Шереметьевы, Головины…
Сильно отличный от того, к чему многие из нас привыкли, образ «Богоматерь неувядаемый цвет» — богато украшенная венками из цветов работа, элемент фламандской живописи, который попал к нам — пример того, как мы адаптируем европейские тенденции, но на свой лад. Еще один удивительный образец — «Богоматерь и избранные святые в молении за душу грешника» Ивана Поспелова. Икона, скорее всего, не храмовая из-за размеров, а из личной коллекции. Привлекателен и в то же время необычен ее сюжет: Богоматерь и святые, которые сложно объединяются между собой — Симеон Столпник, Иоанн Богослов, Петр, Павел, святая Евдокия… В центре — золотой медальон, в котором рука держит весы и маленький человеческий силуэт рядом с ними. Предполагается, что икона рассказывает историю разбойника, которыми слезами своего покаяния и заступничеством Богородицы исправил свою судьбу. Весы — это символ «взвешивания» души, на одной из чаш лежит плат, смоченный слезами, означающий принятие покаяния. Любопытен здесь и фон: два неба— небо небес, незримое для нас, и небо земное, наше. Они четко просматриваются и отделяются друг от друга. Изображена и земля, на которой тоже нет ничего изображенного условно — все в деталях, много конкретики — цветы, деревья, горы…
Кружась между экспонатами, приходим к разделу, посвященному классицизму, который легко узнается благодаря характерной для этого направления композиционной симметрии, прежде всего, что бросается в глаза в работе «Святители Петр, Алексий и Иона Московские», например. Но вот что важно: да, все течения прибыли к нам из Европы, но наши мастера во все времена не копировали западные тенденции, а интерпретировали их по своему, через призму наших традиций. И возвращаясь к цветочной метафоре, важно понимать, что работы, представленные на экспозиции, были созданы в течение одного столетия, примерно в одно время, параллельно друг с другом. В России установить хотя бы приблизительную периодизацию развития всех стилей, которые тогда как снег на голову упали к нам, невозможно. В том и чудо — не «розы к розам», но букет…
Источник: www.mk.ru
